De 21 bedste gyserfilm fra 1970'erne: Ser tilbage på et af Gysers bedste årtier

Hvilken Film Skal Man Se?
 
Lad os se tilbage på den forlegenhed af rigdom, der var 70'ernes horror-biograf.

1970'erne er uden tvivl det mest frugtbare og konsekvent fremragende årti for horror-biograf. Selvfølgelig kunne argumentet være at forlænge denne periode for film som helhed, og måske var det derfor, 70'erne skabte grobund for så mange af genrenes største forfattere, varige franchiser og enestående creeptastiske kreationer, der ændrede og definerede kurset af gyserfilm til et spor, de forbliver på den dag i dag. Men hvis det var en tid med filmisk revolution, var det også en tid med kulturel omvæltning.

Det var en tid, hvor mentaliteten i Amerika blev mørkt mørkt fra 60'ernes fri-kærlighedsoptimisme. I stedet for opstod der en hård følelse af virkeligheden. Rædslerne under Vietnam-krigen havde sivet ind i den nationale atmosfære, både intimt i de millioner af mænd og kvinder, der tjente, og i massiv skala, hvor krigens grufulde optagelser konstant blev sendt over luftbølgerne. Racemæssige spændinger var på sit højdepunkt som reaktion på den forfaldne sociale revolution af Civil Rights-bevægelsen. Nixon, Watergate, stigende kriminalitetsrate ... Amerikanske filmgæster stod over for virkelige livsterror og stridigheder hver dag, og som et resultat blev de ikke længere bevæget til terror af gotiske billeder, klassiske monstre eller karakterportrætter af de beskadigede og sindssyge. Samtidig åbnede de amerikanske censurer flodportene for voldelige billedsprog, hvilket resulterede i en fremvoksende æstetik af realisme og blodig, visceral vold, der skar til benet.

alle rick and morty -episoder rangeret

Men Amerika var ikke den eneste nation, der eksperimenterede og udvidede deres rædselordforråd. I udlandet nåede Europa også nye filmhøjder med deres genreudgang. Måske mest berømt var de grufulde spændinger og tæt pakket mysterier i Italiens Giallo-bevægelse i højden. I Storbritannien fortsatte Hammer med at levere en jævn strøm af uhyrlige rygsøjler i studiets sidste årti med masseproduktion, mens mindre, mere esoterisk billetpris også fandt vej til publikum. Også Spanien havde en usædvanlig rædselbevægelse på trods af at den stadig var under en fascistisk diktator i første halvdel af et årti.

Dybest set, hvor som helst du henvender dig i 1970'erne, vil du føde legendariske instruktører, filmiske bevægelser i fuld gang og førsteklasses gyserfilm i massevis, da en generation af filmskabere skubbede og stak genrenes grænser. Ved at udforske de uendelige permutationer af undergenre-allegori udnyttede disse filmskabere fuldt ud de ubegrænsede muligheder for selvudforskning, social kommentar og gode gammeldags meditationer om dødelighed og den menneskelige tilstand. Og de dækkede det hele med blod og snavs og indvolde.

Tjek 21 af de absolut bedste fra et strålende årti nedenfor, og for yderligere lister, se vores oversigt over 80'ernes bedste gyserfilm og af 90'erne .

Texas Chainsaw Massacre (1974)

Tobe Hooper Sophomore spillefilm er en strålende stump dekonstruktion af menneskelig dødelighed, der tvinger os til at konfrontere den virkelighed, at vi alle sammen er kød og knogler i retning af det uundgåelige øjeblik, hvor vi ophører med at være alt andet end et nedbrydende lig. Det er brutalt, og det er grundlæggende, og den hensynsløse effektivitet er det, der gør det til et så udmattende, nervøst ur til i dag. Hvad mere er, Texas Chainsaw Massacre svælger i virkeligheden, at døden ikke har sympati, det er ligeglad med, hvem du er - strapping og stærk, ung og smuk, godmodig, venlig, svag, ydmyg, dygtig eller handicappet - døden kommer for os alle.

Opsætningen er enkel, og det hele ligger i titlen, en gruppe gode børn foretager en omvej i Texas, hvor de massakreres en efter en, undertiden med motorsav. Det er en genre-definerende indrejse i rygtræets rædsel, et ubarmhjertigt slagteri, der påkalder slaggehamre og kødkroge og selvfølgelig motorsave som redskaber til forfærdelig vold og fordervelse. Det er næsten for grimt og for effektivt til nogensinde at blive virkelig 'nydt', lidt som at stirre i lyset af det værst tænkelige scenarie, der ligger til grund for menneskehedens iboende jordiske frygt, men det er en ubestridelig præstation af horrorgenren, der fremkalder frygt med sådan effektivitet og aggression, at den besidder en aldrende effektivitet.

Se ikke nu (1973)

Nicolas Roeg 's Se ikke nu er en af ​​de mest følelsesmæssigt ødelæggende, hjemsøgte og sensuelle gyserfilm, der nogensinde er forpligtet til film, og det er omtrent så klassisk som rædsel kan blive. En meditation om sorg, tab og dødelighed baseret på den litterære stamtavle Daphne Du Maurier , Se ikke nu forener de forbløffende talenter fra Donald Sutherland og Julie Christie i fortællingen om et gift par, der flytter til Venedig i håb om helbredelse efter den unge datters tragiske død. Men når de ankommer, møder de en ældre psykiker, der advarer mod endnu et tragisk tab, som de tilsyneladende ikke kan undgå.

Der er en egenskab ved sorg, der fremhæver alt ved livet; hvert åndedrag, hvert slag, endda stilhed bliver øget i en verden, der på en eller anden måde virker genoplyst og genoptaget af lidelsens ild. Se ikke nu trækker af en utrolig sjælden bedrift ved at fange den desperate øjeblikkelighed. Derefter bruger den den til at plage dig gennem en næsten ubevidst skræk, der udfolder sig, når filmen blander nutid, fremtid og fortid for at fremkalde parallelisme og mistanke om det forudbestemte i en smertefuld lilt mod det overnaturlige. Roeg bruger visuelle metaforer og subtile antydninger af forestående undergang for at trække seeren ned i dybden af ​​skyld og fortvivlelse, trække et usandsynligt, men problemfrit ægteskab mellem skarpt indenlandsk drama og overnaturlige bange og i sidste ende sætte brikkerne sammen, indtil de danner et billede af sjælfuld , hjerteskærende rædsel.

Alien (1979)

Ridley Scott 'S seksuelt ladede gotiske rædsel i rummet er en perfekt sci-fi-film. Og en perfekt gyserfilm. Og helvede, jeg siger det, bare en perfekt film. Scott tager basisfortællingen efter besætningen på Nostromo, en ulykkelig rumekspedition, da de støder på galaksenes dødbringende rovdyr, H. R. Giger designet Xenomorph og tilfører det hyper-voldelige manifestationer af billedsprog, der påberåber sig seksuel krænkelse, de biologiske farer ved drægtighed og fødsel, alle former for seksuel angst.

Ian Holm 'S hemmelige cyborg Ash, der huser sine egne teknologiske rædsler, beskriver Xenomorph som en 'perfekt organisme. Dens strukturelle perfektion matches kun af dens fjendtlighed. ” Det samme kan siges om Scotts film, som er en øvelse i ren terror, udformet så specifikt med det formål at fremkalde frygt, at hvert lag af filmens konstruktion fungerer mod det faste mål. Gigers æstetiske smukke men iboende forstyrrende designs, Og O'Bannon 'S ekspertbilledede manuskript, de naturalistiske og perfekt tonehøjde forestillinger fra rollebesætningen (ledet af en karriere-definerende tur fra Sigourney Weaver ) og Scotts gave til at dreje spænding og frygt ud af hvert øjeblik mellem Xenomorphs stadigt udviklende optrædener - hvert enkelt element i filmen arbejder sammen for at skubbe publikum længere ind i deres frygt. Og hver gang morderudlændingen popper, bøjer sig eller skubber på skærmen, skærer dens tilstedeværelse som en kniv og gør den vedvarende smerte i ubehag til en akut, gennemtrængende terror.

Lejeren (1976)

Det er måske ikke overraskende, at en filmskaber, der led så voldsomt som Romersk polanski (og begik sin egen utilgivelige synd i den indrømmede voldtægt af en 14-årig pige) er bedst i stand til at fremkalde det glatte menneskelige greb om identitet og det frygtindgydende sanseangreb ved at falde til vanvid. Til Lejeren , Kaster Polanski sig ud som Trelkovsky, en blød mand, der flytter ind i lejligheden, hvor en kvinde, Simone, for nylig forsøgte at begå selvmord. Fascineret af, hvad der fik hende til at prøve at tage sit eget liv, og manglende samfundets hausse pres for at tilpasse sig, begynder Trelkovsky en langsom glide ind i sindssyge, da han finder sig i at identificere sig med Simone for intenst og miste sin selvfølelse.

Jeg skal være ærlig, det var svært for mig at sætte Polanski på denne liste, et enkelt indlæg i den regelmæssige kamp for at adskille kunsten fra kunstneren, men at lade det være følte uhensigtsmæssigt. Lejeren blev mødt med blandet kritisk reaktion, da den debuterede (berømt Ebert hadet det), men som så ofte sker, har tidens sandhed afsløret, at det er en ubønhørlig klassiker af paranoia og den skræmmende trussel om at blive en fremmed for dig selv i lyset af det konstante pres af overensstemmelse. Efterhånden som Trelkovskys forståelse af virkeligheden løsnes, laver Polanski en række foruroligende billeder, der trækker dig ned med ham og roder med dit sind, da det begraver dig i den fint udformede mareridt-æstetik. Lejeren føler en fælles feberdrøm mellem Edgar Allen Poe og Franz Kafka , og kan godt være Polanskis mest foruroligende film.

Black Christmas (1974)

Før Bob Clark gjorde julen vidunderlig med 1983'erne En julehistorie , han gjorde det skræmmende med sin horror-klassiker fra 1974 Sort jul . Ofte forkert tilskrevet som den første slasherfilm (du finder det andetsteds på denne liste), men korrekt tilskrevet som en af ​​de bedste af sin art, Sort jul er klassisk og subtil, men en akut effektiv spændingsøvelse. Filmen spiller en stjerne Olivia Hussey og Margot Kidder som to søstre i et sororitetshus belejret af voldelige, pornografiske telefonopkald fra et raspestemt rovdyr, der udfolder sig som et mordmysterium møder rædselens hus. Når de uanstændige telefonopkald eskalerer til mord, udfører Clark volden med en tilbageholdt hånd og lader hans effektive billeder gøre det tunge løft med en lejlighedsvis fræk overbærenhed i feriekamrene - det foretrukne er, når en gruppe af carolers drukner lyden af Kidders død ved ornament.

Sort Christma s er også en af ​​de sjældne slashers, der behandler ofrene med fuld respekt, aldrig åbent seksualiserer dem og aldrig straffer dem for deres formodede seksualitet. Faktisk er Husseys 'sidste pige' ikke kun åbent seksuelt aktiv, hun kæmper med sin beslutning om at få en abort. Og hun straffes aldrig for det. Ligeledes er Kidders karakter kærlig på trods af at han er beruset. Helvede, selv husmor får en personlighed. Fra koncept til udførelse, Sort jul er en af ​​de mest værdige poster i slashergenren, der føles som om den blev lavet for voksne, der søger spænding snarere end teenagere, der søger perversitet.

Dawn of the Dead (1978)

Dødens morgenstund kan godt være den største zombiefilm nogensinde, skønt den kæmper i hård konkurrence med sin forgænger Night of the Living Dead , den fantastiske spillefilmdebut, som George Romero opfandt den moderne zombiefilm alene, som vi kender den. For sin efterfølger undgik Romero fristelsen til at regummere det velkendte territorium (en kvalitet, som han ville opretholde for hver af sine efterfølgende 'af de døde' film, selvom de bliver en række aftagende tilbagevenden), der grøfter de intime rammer for et hjem for sprudlende (men stadig begrænset) rækkevidde af et indkøbscenter og bytter sin sort-hvide dysterhed for en legende farvemættet palet.

Dødens morgenstund er en horror-efterfølger i enhver forstand, større og mere blodig, men den opretholder Romeros forpligtelse til at spidse social kommentar, denne gang tackler amerikansk forbrugerisme. Det er også pakket til randen med Romeros dygtige øje for visceral vold gengivet med førsteklasses old-school-goreeffekter fra Tom Savini , den legendariske blodbadmand, der transplanterede sin erfaring som kampfotograf i Vietnam til en karriere, der blev brugt på at skabe mareridt på skærmen i generationer. Som i alt Romeros store arbejde (og den bedste rædsel generelt) fungerer blodsudgydelsen som baggrund for et overbevisende karakterdrama, da gruppen af ​​fremmede, der søger tilflugt i det forladte shoppingkompleks, håndterer stigende interpersonel konflikt, når måneden går i dette. sikkert tilflugtssted fra en apokalyptisk verden blevet gal. Romero styrer det hele med humor og empati og et urokkeligt afstemt blik for hvornår man skal droppe den næste store skræmme.

The Wicker Man (1973)

Robin Hardy begyndte sin sjældne og usædvanligt tynde instruktørkarriere (han lavede tre film i løbet af 45 år) med sin magnum opus, The Wicker Man . Men hej, når du har lavet en film så usædvanlig, ville måske mere være grådige. The Wicker Man sniger sig på dig. Det er subtilt og forførende, og det er ubehagelige hemmeligheder afsløret med en ekspert tålmodighed, men når det ender ved sin endelige destination, vil det lade dig krøllet i en kugle med en ulmende sygdom i din mave.

Centreret om efterforskningen af ​​en ung piges forsvinden, The Wicker Man følger Edward Woodward Seargeant Howie til en fjerntliggende skotsk ølandsby, hvor ingen giver svar, og sporene aldrig tilføjes. Meget af filmen spiller overhovedet ikke som rædsel, men en slags jovial, vagt uhyggelig tur til et ejendommeligt samfund, hvor hedensk ritual hersker under den velvillige ledelse af øens hersker Lord Summersisle (en perfekt udnyttet Christopher Lee ). Anthony Schaffer Manuskriptet er en ondskabsfuld klog undergravning af forventning, og Hardy nurture er den langsomt kogende spænding for al sin værdi, der forsigtigt spreder antydninger til det onde, der gemmer sig bag kunstværket af folksy, blomsterkronet charme. Når gåden er løst, vil du ønske, at det ikke havde været, og se det forudbestemte rædselshow, som din gengivne hjælpeløse sammen med helten, ude af stand til at stoppe den dystre skæbne i at udfolde sig. The Wicker Man er gribende og hjemsøgende; et helt usædvanligt spin på terror

Kæber (1975)

Krediteret med opfindelsen af ​​sommeren Stephen Spielberg 's Kæber er ikke bare en kæmpe af rædsel, men også af biografen og kan meget vel være den største bedrift i den forlegenhed af rigdom, der er Spielbergs karriere. Hvert eneste element i filmen fungerer som et fejlfrit urværk, men det har sådan en menneskelighed, det er som om det ur blev håndteret af et vanvittigt geni med beherskelse over hvert gear og bolt. Det gale geni er selvfølgelig Spielberg, som instruerer Peter Benchley og Paul Gottlieb 's scripted tilpasning af Benchleys hitroman med en fejlfri struktureret forpligtelse til stof over lette skræmmere. Spielberg har fantastiske forestillinger fra hele hans rollebesætning, men især den førende trio af Roy Scheider , Richard Dreyfuss og Robert Shaw , der giver tegnene den omsorg og opmærksomhed, de fortjener for at sikre, at når vores helte kvadrerer mod den monstrøse store hvide, forbliver publikum gispende på kanten af ​​deres sæt i ængstelig forventning.

Kæber er en bonafide klassiker, et vedvarende filmeventyr, der aldrig mister sin effekt. De siger, at nødvendighed er opfindelsens mor, og Spielberg kæmpede berømt med 'Bruce', den upålidelige on-set hajkonstruktion, der tvang ham til at revurdere og bruge det gigantiske dyr sparsomt - et træk, der gør hans store udseende til et es i hullet når filmen endelig leverer løftet om det enorme urdyr. Kæber vil få dig til at sprænge en tarm et øjeblik, før du vrider disse tarme til utålelig spænding og rædsel det næste, meget af den iboende terror takket være John Williams banebrydende score. En film om en kæmpe haj har ingen forretning så fremragende, men hvad Spielberg og co. wrest fra dette barebones-koncept er et enormt karakterdrama, der sætter de spektakulært gengivne helte mod den største antagonist af alle, den tævemoderatur. Og det er uoverskueligt bevis for, at Spielberg er en så kraftig naturkraft som noget af det vidundere, du finder i hans film.

hvad kommer til disney plus i marts 2020

Den afskyelige Dr. Phibes (1971)

Den afskyelige Dr. Phibes er en dejlig Grand Guignol-køler, der gifter sig med fræk humor med stille øjeblikke af mavesænkende terror og sætter det uforlignelige rædselikon Vincent Price at arbejde i en af ​​hans mest mindeværdige roller. Som titlen Dr. Phibes skaber Price en fænomenal skurk, fuldstændig foragtelig, men bare sympatisk nok til at bære os gennem hans vildledte hævnmission. Trods at være død af et forfærdeligt bilulykke, er Dr. Phibes forfærdeligt vanæret og helvede bøjet på at uddele morderisk hævn til det lægeteam, han holder ansvarlig for sin kones død på operationsbordet. Inspireret af de bibelske plager påfører Dr. Phibes opfindsomme rædsler over sine ofre, undertiden humoristiske - se den kraniumknusende maskerade-maske, han bruger til at sende 'hovedkrymperen' (hvorfor der var en psykiater i et operationsrum, du ' Jeg bliver nødt til at fortælle mig det) - og undertiden foruroligende - se den langvarige død ved udblødning, der er helt afslappende.

Med en art deco-blomstring, Den afskyelige Dr. Phibes er tilbøjelig til øjeblikke med campy panache. Dr. Phibes udfører ildevarslende opus på sit interne organ, leverer monologer gennem en ubevægelig mund og ledsages altid af sin smukke stumme assistent, Vulnavia ( Virginia North ), der spiller violin som baggrund for Dr. Pibes 'grusomme gerninger og har en målrettet dedikation til pelshatte. Under direktør Robert Fuest vejledning, Den afskyelige Dr. Phibes slår en charmerende akkord mellem rædsel og humor med Price, der fungerer som den perfekt perfekte dirigent.

The Omen (1976)

For så vidt angår klassiske sataniske thrillere, Varslet rangerer lige deroppe med Djævleuddriveren og Rosemary's Baby som en af ​​genrens bedste, selvom den ganske vist er mere spændingsbaseret og mindre introspektiv end dens forgængere. Varslet stjerner det ekstraordinære Gregory Peck , der bringer en iboende gravitation til ethvert projekt, han rører ved, som en amerikansk ambassadør, der begynder at mistanke om, at han måske rejser Antikrist. Pecks talenter matches bag kameraet af den ekstraordinære publikum

Pecks talenter matches bag kameraet af den ekstraordinære publikum Richard Donner - ja, direktøren bag Dødbringende våben og Superman lavede også en af ​​de store rædselklassikere - der viser et genial sæt-stykke efter det næste. Barnepigen hænger glædeligt sig selv ved Damiens fødselsdagsfest, det uhyggelige barn, der kaster fuld fart for at banke, er mor fra den anden fortællingsstang, præsten spydt fra højt op af et kirkespir - hver opfindsomme drab er blevet et øjeblik med rædselikonografi , og deres hurtige ildudførelse skaber en undervist, spændingsfyldt film, der aldrig falder i tempo. Varslet stræber aldrig efter sjælsøgende frygt, og det behøver det ikke, når dens form og funktion smelter sammen så effektivt for at skabe en så fuldstændig underholdende, fængslende og fremdrivende spænding.

En bugt af blod (1971)

En af de fineste og mest formative instruktører for Giallo-undergenren, Mario Bava havde slået ud af førsteklasses horror-thrillere i et årti, da han styrede En blodbugt (skiftevis titlen Twitch of the Death Nerve og Sidste hus på venstre del II, blandt mange andre). Fordi denne verden er let på retfærdighed, er den måske bedst kendt nu som den film, der stærkt inspirerede de ringere Fredag ​​den 13. og fremkomsten af ​​slasher-undergener som helhed. Det er ikke til nedsættelse Fredag ​​den 13. , som beundringsværdigt krystalliserede A Bay of Blood ' s mest luride elementer i deres reneste slasher-form, men at betragte det som 'den film, der inspirerede fredag ​​den 13.' er at underkreditere Bava's komplekse, fræk mord-mysterium.

Centreret omkring et stridende sæt familiemedlemmer, der er villige til at gøre alt, hvad der kræves for at sikre deres arv, En blodbugt holder publikum ved at gætte gennem hele filmen og skaber uforudsigelighed fra den strålende første scene. Filmen åbner med mordet på en gammel kvinde i hænderne på en mystisk mand i sorte handsker, kun for at dreje forventningerne på hovedet, når den samme mand straks bliver myrdet af en anden mystery-angriber. Alt i alt er der fem mordere i En blodbugt , hver så kreativ og ubarmhjertig som den næste, og Bava formår at orkestrere det på en måde, der aldrig er forvirrende. Det er vigtigt for enhver fan af slashergenren, den intelligente utilsigtede gudfar til den forenklede viscerale genre, der fulgte den, og det er en af ​​de bedste bestræbelser fra en legendarisk stemme i italiensk rædsel.

Eraserhead (1977)

David Lynch er den ubestridelige regerende mester i den moderne filmiske surrealisme, og han cementerede straks denne status med sin spillefilmdebut Viskelæderhoved . Fuldført i løbet af fem år beskrev Lynch filmen som en 'drømmer om mørke og urolige ting 'og det er ret præcist. Men det er mere et mareridt end en drøm, og de mørke og foruroligende ting har en tendens til at dreje sig om frygt for ægteskab, faderskab og samfundets foreskrevne roller blandet med en sygdommelig biologisk paranoia. Gennem Lynchs håndværk, Viskelæderhoved er lige så smuk som den er modbydelig, en sort-hvid feberdrøm og et sensorisk angreb på teksturer og symfonisk omgivende lyd.

Men for alle Viskelæderhoved 's tekniske præstation, det er et legendarisk stykke filmfremstilling, fordi det aldrig er mere forvirrende, end det er engagerende. HvornårHenry ( John Nance ) opdager, at en gammel fling resulterede i fødslen af ​​enwormy, firben-lignendemisdannelsehvis sult er så uendelig som dens skrig, hans liv vendes på hovedet i en række visioner og foruroligende tangenter, hvor enhver overbærenhed sætter en fælde for yderligere rædsler. Lynch viser sig at være en bemærkelsesværdig følelsesmæssig kommando med sin evne til at vride sympati for den ynkelige, beskidte væsen, der ligger der igennem filmen som en rå nerve og konstant kilde til agitation. Viskelæderhoved er en kraft af entydigt syn, hvor Lynch tjenersom instruktør, producent, forfatter,redaktørog lyddesigner, ogsom resultatdet udfolder enestående rædsler, der trodser genrekategorisering og annoncerer fremkomsten af ​​en af ​​filmens mest nervøse og forførende stemmer.

Zombie 2 (1979)

Zombie 2 (frigivet under titlen Zombie i Amerika) bærer den mærkelige forskel på at bære en titel med en '2' uden faktisk at have en første rate. Det blev faktureret som en semi-efterfølger til George Romero 's Dødens morgenstund (som blev titlen Zombie i Italien), men ud over spektakulære zombieeffekter har de to faktisk meget lidt til fælles, hverken fortællende eller tonet. Filmen følger Anne Bowles ( Tisa Farrow ), en ung kvinde, der tager af sted til en fjerntliggende ø for at hjælpe sin syge far, uvidende om at landet er under en voodoo-forbandelse, der bringer de døde tilbage til livet.

Styret af Giallo maestro Lucio Fulci , Zombie 2 bringer intet af det sociale kommentar eller nuancerede karakterdrama fra sin markedsførte forgænger, men hvad det mangler i stamtavle, kompenserer det for i stilistisk panache og førsteklasses zombieaktion. Det og en zombie vs hajkamp, ​​som, hvis vi er helt ærlige meget godt, kan være det geniale sæt, der landede Zombie 2 på denne liste. Det er den bedste zombiefilm, der kommer ud af Italiens strålende frugtbare rædselguldalder, men alligevel, Zombie 2 er dybest set zombie skrald. Det er dog det allerbedste skraldespand - toppen af ​​bunken - og det kan prale af nogle af de mest opfindsomme og fejlfrit gengivne zombiesætstykke nogensinde (zombie vs haj er den bedste, men det er ikke den eneste). Og det gør det med ekstraordinære makeup-effekter, der ikke kun modsvarer tidstesten, men for mine penge matcher det seksårige zombiekunstkatalog, der er The Walking Dead . Zombie 2 er ikke dyb, men svømmer strålende langs i det lave.

Carrie (1976)

Med Carrie , Brian De Palma tog en af Stephen King 's magreste historier, infunderet det med sin æstetik i høj stil og skabt et rædselmesterværk om farerne ved misbrug, der skruer din mave i knuder med den sikre, uundgåelige viden om, at alt dette ender meget dårligt. Mens De Palmas underskriftstil og gave til paranoid ubehag gør hans kølige konstruktion pop, er den bygget på to søjler med enorm styrke i de Oscar-nominerede forestillinger fra Sissy Spacek som den titulære pubescent telepath og Piper Laurie som sin afskyeligt fromme mor, der har skjult og plaget sin datter til et liv med udstødt ensomhed og lammende naivitet.

Når Carrie får sin periode, uvidende om hvad der sker, eller hvad det betyder, bliver hun brutalt mobbet af pigerne i skolens omklædningsrum, der forener sig i den specielle slags grimme, der kommer fra gruppetænkning, skrigende og kastende tamponer på hende, mens hun skriger , græder og ryster nøgen i de offentlige brusere. Bebyrdet af skyld, Sue Snell ( Amy Irving ) rekrutterer sin kæreste Tommy (en løve-maned William Katt ) for at tage Carrie til prom, tilsyneladende en drøm, der går i opfyldelse, der bliver til et feberrig mareridt, når skolens mobbere rammer igen, grusomere end nogensinde. Da det svineblod ikonisk regner ned på Carrie's alt for kortvarige lykke, dømmer de deres klassekammerater til en brændende død, når traumet frigør den fulde kraft af hendes telepatiske evner i et dødbringende udbrud af raseri. Som Carrie er Spacek udsøgt, og du føler en øm smerte for denne stakkels piges livslange lidelse - indtil hun klikker på, og du ikke føler andet end terror, da hun fordriver verden omkring hende ind i et helvede landskab med en bug-eyed-stirring og afkøling af stilhed . Det er en af ​​de bedste konge-tilpasninger nogensinde, men det er også et komplet produkt af De Palmas varemærke stilistiske blomstring og et vidnesbyrd om instruktørens gave til at tage enhver genre under solen og dreje den til en sygdommelig øvelse i angst.

The Hills Have Eyes (1977)

Rædselsforfatter Wes Craven lavede en overraskende, skarp debut med 1972'erne Sidste hus til venstre (som ville tjene sin egen plads på denne liste, hvis den var omkring ti poster længere), en dybt mørk, sjælknusende udforskning af voldens cykliske pine. Wiith Bakkerne har øjne , Craven tog sin dokumenterede gave til at knuse skildringer af sadisme og tilføjede en sund dosis verdensopbygning. Bakkerne har øjne udforsker vores medfødte frygt for outsideren og nedfaldet (både billedligt og bogstaveligt) for et samfund, der vender det blinde øje til de monstre, det skabte, mens han fortsætter Cravens meditationer over de ætsende omkostninger ved voldelig handling.

Efter den store, skøre Carter-familie på tur gennem Californiens off-road ørken , Bakkerne har øjne sætter den semi-dysfunktionelle enhed mod en fuldt dysfunktionel klan af kannibaler, der kalder det farlige terræn hjem. Selv nu, næsten fyrre år efter frigivelsen, Bakkerne har øjne forbliver virkelig foruroligende for sin ultravoldelige, opadgående, regler-forbandede vilje til at gå i halsen, da de to familier er låst i en krig, hvor vinderen tager alt - i det mindste alle kropsdele og elsker dem, de formår at holde fast i. Det er pulpy shock schlock på sit absolut bedste, og under Cravens selvsikre ledelse vrider hvert tab kniven lidt dybere med en syg stribe af grusomhed, der mishandler den berømte godhjertede filmskaber bag sig.

Brood (1979)

For mine penge, David Cronenberg , han af de mest forfærdelige kropsforfærdelser, nåede ikke toppen af ​​sit håndværk, før hans svimlende 1980'ers træk, men i tiåret forud leverede han tre foruroligende og uhyggelige rædselglæder; Rystelser , Rabid og Brood . Det er den sidste af disse, leveret passende ved årsskiftet, hvor Cronenbergs mestring af fysiologiske og psykologiske rædsler virkelig begyndte at dukke op. Her ser vi de fremvoksende stadier af den glatte, sci-fi-bøjede æstetiske Cronenberg ville vedtage over den grusomme grindhouse-følelse af hans tidlige film.

Iscenesat som en kommentar til de kolde omkostninger ved skilsmisse og den triste ineffektivitet ved psykiatrien, følger filmen Art Hindle som Frank Carveth, en mand, der er fast besluttet på at afsløre det ejendommelige, betyder psykiatrisk behandling af sin fremmede kone ( Samantha Egger ) modtager i hænderne på den uortodokse praktiserende læge Dr. Hal Raglan (den altid velkomne Oliver Reed ) og hans desperate forsøg på at beskytte deres datter ( Cindy Hinds ). Samtidig myrder afskyelige barnlige misdannelser de nærmeste familien. Cronenberg opbygger ubehaget i et jævnt tempo og bryder lejlighedsvis ud i chokerende voldstilfælde, men gemmer det bedste (læs: mest foruroligende) til sidst i en afsløring, der i det væsentlige er Cronenbergian (eller Cronenbergundian, som han foretrækker). En pikant kombination af biologiske og åndelige rædsler - passende til en historie om korrupt moderskab - Brood er et godt eksempel på de idiosynkratiske rædsler, der springer ud fra et sind så entydigt som Cronenbergs.

Suspiria (1977)

Dario Argento 'S mesterværk er en technicolor-feberdrøm om overdådig vold og opera-produktionsdesign, der muligvis står som den ultimative inkarnation af Giallo-æstetikken - rig, overdådig og vanvittig - en film, du oplever lige så meget som at se. Sammen med den svimlende præstation, der er Dyb rød (som kæmpede tand-og-søm i mit sind for dette sted på listen), åndenød cementeret Argento som skytshelgen for Giallo, og en af ​​rædsels største filmskabere.

Filmen følger en ung amerikansk balletdanser i udlandet på et prestigefyldt tysk danseakademi, hvor hun afdækker en gammel, uhyggelig heksekov. åndenød er berømt for sine barokke, vildt voldelige drab og Goblin 'S klamrende, chantende prog-rock score. Så elegant som det er salig, er det en visuelt og aurally fordybende tur ned ad et rødt og blåt tonet kaninhul, hvor indviklede orkestrerede mord er en almindelig begivenhed og fortryllede onde handlinger lurer rundt om hvert hjørne.

Fantasi (1979)

Don Coscarelli har aldrig været den slags filmskaber, der valgte det sikre eller det sædvanlige, og hans gyser debut Fantasi forbliver en af ​​de mest idiosynkratiske og usædvanlige film på hans CV. Der var ikke noget som Fantasi når det kom sammen, og mest imponerende, bortset fra sine egne efterfølgere, er der stadig ikke. Filmen trodser stædigt kohærens og konkrete svar og kræver seeren at fordybe sig i drømmelogikken med parallelle dimensioner, trekantede kranietugende kugler og Angus Scrimm 's ikoniske Tall Man, den truende figur, der stalker vores helte ubarmhjertigt.

Set i et hus, der er sprunget direkte fra et mareridt (endnu mere end dit gennemsnitlige hushus), finder filmen vores trio af helte, brødrene Mike ( A. Michael Baldwin ) og Jody ( Bill Thornburry ) og deres pålidelige ledsager Reggie ( Reggie Banniste r - for al sin opfindsomhed, Fantasi var temmelig doven med at navngive dens karakterer) kastede sig ind i The Tall Man's domain, hvor han hilser dem med logisk bøjende rædsler og sender de dødes sjæle til et efterliv af slaveri. Lavet på et skosnorebudget, Fantasi triumferer ikke for svimlende effekter eller omfang, men for den rene opfindsomhed, der gjorde det til en øjeblikkelig kultklassiker. Det kan forvirre sindet, men det vil også lade dig kigge over din skulder for at sikre dig, at Den høje mand eller hans dame i lavendel ikke er tæt på.

The Exorcist (1973)

Djævleuddriveren betragtes af mange som den mest skræmmende film nogensinde. Stadig den dag i dag. Da det ankom til teatrene, publikum vendte helt om . Der var rapporter om besvimelse og flygte publikum, seere, der blev syge i gangene, og selvom det normalt er den slags ting, du vil kritisere til markedsføring, er det helt troværdigt for den kontekst, hvor filmen ankom. Fordi Djævleuddriveren er den dæmoniske besiddelsesfilm, der støbte formen, selv det mest forhærdede af rædselrige publikum havde aldrig set noget lignende William Friedkin 'S ondskabsfuldt syndige, forbløffende sympatiske portræt af en 12-årig piges kamp med djævelen.

mest populære serie på netflix 2020

Friedkin opfordrede sin filmskabende oprindelse som dokumentar til scenen Djævleuddriveren som et ekstremt realistisk og alt for troværdigt angreb fra selve helvede.Men det forhindrer aldrig filmen i at blive filmisk, og Friedkin klarer det kløgtigt som et intimt langsomt brændende drama i det meste af filmens løb, et skridt der gør det ikoniske, klimatiske opgør med djævelen desto mere skræmmende. Du er blevet lullet til at tro på denne verden, du har investeret fuldstændigt i menneskeheden i disse figurer - hvem det skal siges spilles strålende fra alle involverede - og så sætter Friedkin dem i den ultimative kamp mellem godt og ondt. Og han gør det med de mest ugudelige gerninger, der udfolder sig i udsøgt gengivne detaljer over skærmen. I en tid, hvor vi næsten har set alt under solen, og efter årtier med efterlignere og teknologisk fremskridt, er de banebrydende effekter og chokværdien ikke det, der driver det hjem, det er Friedkins engagement i fortællingen og hans tro på dens iboende rædsler, der skaber Djævleuddriveren sådan et vedvarende eksempel på højder, som genren filmfremstilling kan opnå.

Halloween (1978)

Slasher-film var bestemt ikke nye, da horror-maestro John Carpenter fik fat i undergenren med sin tredje spillefilm, Halloween , men de var aldrig bedre og aldrig mere visceralt skræmmende. Halloween er muligvis ikke den første, men det er den endelige, der indstiller skabelonen til årtier af slasher-flicks, der kommer, der ville riffe på filmens stilistiske enheder og krybende, langsomt brændende frygt så frit som Carpenter riffede på Psyko og Vindueskigger . Og i Michael Meyers, den ondskabsfulde ondskabsstyrke i hjertet af den årtier lange løbende franchise, introducerede Carpenter en af ​​filmens store helbredere hele tiden - den onde langsomt marcherende kraft, der ville blive efterlignet uendeligt i næsten alle slasher-film at følge.

Meyers er lige så ukendelig som han er ustoppelig; rent mord inkarneret, et sjæleløst ondskab, der kun søger efter det næste unge kød at synke sin kniv i. Og tømrer gav ham en 'sidste pige' at matche, Jaime Lee Curtis ’Laurie, der ligeledes satte formen for alle overlevende fra slasher til at komme med en formidabel karriere-definerende præstation. Ud over Carpenters kommanderende karakterskabelser og ekspert stramt tempo, kan der ikke betales tilstrækkelig kredit til hans ikoniske soundtrack, som gør de enkeltindramte skud til langvarige rytmer. At se Halloween er at se en stor genre definere sine egne talenter så implicit, at den skrev regelbogen i de kommende generationer.